El esmoquin: una vía de escape

Todo en esta vida tiene un motivo y un por qué y, aunque algunas cosas nacen como consecuencia de la casualidad o el azar, esa casualidad o ese azar también son movidos por algun que otro motivo. 

El nacimiento del esmoquin también tienen un porqué, sus orígenes se remontan entorno al año 1860.

Eduardo VII de Gran Bretaña fue, sin pretenderlo, un líder respecto de la moda real de su época, puso en tendencia, entre otras muchas, el no abrocharse el ultimo botón de las chaquetas o chalecos para poder estar mas cómodo. Ese guiño a la moda tuvo mucho que ver con su cuerpo robusto y con independencia del motivo de su estilo todos le imitaban.

 

EDUARDO VII Y ALEJANDRA DE DINAMARCA
El cierre que exhibe en esta foto probablemente guarde mas relación con su figura que con cuestiones de moda

En torno al año 1860 el rey encargó al prestigioso sastre Henry Poole el diseño de un traje elegante y con el que, al mismo tiempo,  pudiera estar cómodo. El resultado de este encargo fue la confección de una smoking jacket, prenda que lucía en sus cenas privadas y fiestas informales.

Es necesario señalar que hasta el siglo XIX los roles de género estuvieron muy acentuados en la sociedad.

El esmoquin era una prenda de uso exclusivamente masculino.

Luisa Capetillo

 

En 1919 Luisa Capetillo tuvo que enfrentarse a la Justicia por empeñarse en usar pantalones, fue la primera mujer que lo hizo en Puerto Rico.

 

 

En el año 1930 se estrenó la película Morocco y su protagonista, la actriz alemana Marlene Dietrich (una revolucionaria sexual), fue la primera mujer en lucir un esmoquin negro en la gran pantalla, provocando un vuelco en las leyes de género y alborotando a la sociedad de aquel entonces.

Marlene Dietrich

A pesar de este precedente, y debido a las numerosas prohibiciones que recaían sobre el comportamiento y la vestimenta de las mujeres, no fue hasta la década de los años 60 y 70 cuando comenzaron a unificarse los roles de género.

La década de los años 60 estuvo marcada por las transformaciones sociales a nivel mundial: el movimiento de la liberación femenina, la revolución sexual, las protestas de los jóvenes contra el orden establecido, la guerra y la lucha contra la discriminación racial. La impresión general era que las jóvenes de aquellos años comenzaban a dejar de depender de los hombres y a ser dueñas de sus propias vidas.

Yves Saint Laurent, uno de los diseñadores mas importantes de ese periodo posterior a la segunda guerra mundial, se atrevió a plantar cara a las reglas hasta entonces marcadas en la alta costura introduciendo el esmoquin masculino en la alta costura femenina.

En la presentación de su colección de alta costura del año 1966 exhibió su  primer «le smoking», una verdadera relectura femenina de la prenda que hasta ese momento esta reservada a los hombres.

colección de alta costura YSL 1966
Se componía de un pantalón recto, una camisa de organdí blanco con chorrera y una chaqueta ajustada.

El público que llenaba el taller del número 5 de la avenida Marceau se quedó atónito, la prensa y los clientes no acababan de entender el cambio de estética del diseñador, fue duramente criticado por ello.

 

El esmoquin femenino reflejaba el espíritu del momento, una verdadera declaración política, un arma de lucha femenina.

Más que una prenda se convirtió en un símbolo, hablaba de un nuevo modelo de mujer, una mujer con más poder.

A pesar de las numerosas críticas de la prensa, las celebrities de aquel momento  decidieron lucir esta carismática prenda. La actriz Catherine Deneuve fue la primera privilegiada en adquirir un esmoquin de YSL.

Catherine Deneuve
Catherine Deneuve con Yves Saint Laurent
Liza Minelli
Liza Minelli fotografiada por Francesco Scavullo
bianca-jagger
1971 Bianca Jagger se casa en Saint Tropez con Mick Jagger luciendo una chaqueta blanca de esmoquin de Saint Laurent

Helmut Newton

Mítica foto sin flashes realizada en 1975 en un callejón del Marais parisino por Helmut Newton para Vogue París, inmortalizando a la modelo danesa Vibeke Knudsen  luciendo un Le smoking junto a otra modelo completamente desnuda, tan solo con tacones .

Una imagen icónica, todo un hito cultural, una mujer que, sin dejar de serlo, puede ser masculina, sexy y femenina al mismo tiempo.

Desde aquel dia de 1966,  la gran innovación de Yves Saint Laurent , el «Le Smoking” se ha convertido en un básico de muchos armarios, una pieza clave por su ambigüedad, elegancia y por su irradiación de poder.

 

 

 

Yves Saint Laurent dijo en cierta ocasión «vestirse es una manera de vivir». Indudablemente el esmoquin cumple con ese principio, fue su forma de apoyar el movimiento de la liberación femenina a través de un camino no esperado, ofreciéndonos una prenda con la que sentirnos poderosas, seguras de nosotras mismas y a la vez hiperfemeninas.

En palabras del creador: “Para las mujeres el esmoquin es una prenda indispensable con la que sentirse bien siempre porque tiene que ver con el estilo, no con la moda” “La moda viene y va, pero el estilo es para siempre”.

 

FALDA MIDI: MUJERES EN ACCIÓN


Desde aproximadamente 1915 las faldas dejaron de arrastrarse por el suelo.

El principal motivo de este cambio fue la apertura de puertas al género femenino en los Juegos Olímpicos del año 1900 (la participación femenina se limitó exclusivamente al golf y al tenis en París). La primera ganadora olímpica en tenis fue Charlotte Cooper.

charlotte-reinagle-cooper-sterry

Charlotte Reinagle Cooper Sterry

Este ámbito deportivo dio lugar a un nuevo estilo de vida y de vestir, las faldas se acortaron levemente dejando al descubierto los tobillos (lo que causó gran estupor en la época ya que durante siglos las piernas femeninas habían sido el símbolo erótico que «provocaba la lujuria en los hombres» y que por lo tanto, debían ser escondidas),eso sí,debían llevarse con medias oscuras y botas de cordones.

Tras la Primera Guerra Mundial, se producen cambios importantes en todos los ámbitos, el ritmo de vida de la gente comienza a acelerarse y esto provoca la transformación del vestir de la época. En lo que respecta a la mujer, se acorta la falda del tobillo a la rodilla y la falda campana dio paso a los cortes rectos «tipo tubo», emergiendo la silueta de una mujer más moderna con pelo corto y el cambio primordial de mostrar la parte inferior de las piernas, hecho que puso énfasis en las medias de seda.

Coco Chanel junto con Jean Patou fueron los diseñadores más influyentes de esta época, adoptando un estilo más deportivo y funcional, suprimiendo el corsé del traje femenino para dar mayor libertad de movimientos a las mujeres, e introdujeron el punto en sus colecciones, un tejido que nadie había utilizado hasta entonces para la alta costura.

Con posterioridad, la década de los años 30 comenzó con el cierre de la Bolsa de Nueva York en 1929, y la consecutiva crisis económica mundial que influyó sustancialmente en todos los ámbitos. Para los creadores, supuso la necesidad de adaptarse a las nuevas circunstancias utilizando materiales más baratos y libres de artificios, lo que caracterizó la sobriedad de la época.Volvieron las curvas a la moda y el arreglo de prendas para darles un segundo uso. Se abandona la ropa holgada y con vuelo, las faldas se alargan y se entalla la cintura.

En los años 50 se crea la silueta idealizada, perfilando y enmarcando el cuerpo femenino, chaquetas con talle ajustado y faldas tubo hasta media pierna.

En 1954 Christian Dior, cansado de las copias de su rompedor New Look de 1947, lanzó la línea H, línea que crea unas proporciones que ajustaban el cuerpo feminino y equilibraban los hombros con las caderas. Esta idea acaparó la atención de celebridades de esta época y marcó un hito en la historia de la moda para siempre.

 

En la actualidad, la falda midi se reincorpora intermitentemente al vestuario femenino, estila glamour y sofisticación, motivo por el que, quizás, forma parte de la esencia de Dolce&Gabbana, convirtiéndola en una prenda esencial en todas sus colecciones.

Max Mara y The 2nd SKIN Co, entre otros diseñadores,  en sus colecciones de esta temporada también han reavivado el protagonismo de la falda midi.

Diferentes estilos, todos dotados de ese largo que caracteriza a esta prenda, la falda que cautiva con inquietante sensualidad, permite el riesgo y la extravagancia, a la vez que confiere una autentica elegancia.

 

No podemos terminar sin mencionar a Victoria Beckham, reina por excelencia en lucir la falda midi en todas sus versiones.

 

Y es que este tipo de falda, a pesar de estar entre las prendas «complicadas» destila glamour, convirtiéndose en un básico de armario.

 

 

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¡Atención: se avecinan mangas!

A lo largo de la historia de la moda las mangas han tenido un papel relevante en la transformación de patrones que, a su vez, identifican el estilismo de cada época.

Esta temporada, las mangas victorianas y/o voluminosas, marcan la nueva elegancia.

No importa el tipo de manga que sea, siempre que el resultado sea resaltar esta parte de las prendas con volúmenes o con detalles que marquen y ensalcen hombros y brazos.

Vamos a identificar los diferentes tipos de mangas y las versiones actuales.

Manga jamón: este tipo de manga nace muy amplia y fruncida desde el hombro y se va estrechando hasta llegar el codo, y a partir de ahí se ajusta totalmente al brazo hasta el final, de tal modo que nos recuerda a la figura de un jamón, de ahí su nombre.

En francés, se bautizó gigot, y es que ése es justamente el aspecto al que remiten estas mangas enormes que empezaron a la altura del hombro cuando irrumpieron en la escena por el año 1820. Durante el S.XIX la manga jamón tuvo dos momentos relevantes, en la década de 1830, y cerrando el siglo en 1890, en esta segunda vuelta irrumpieron aun con mayor volumen, justo empezando desde el hombro.

Después, como guiño a la historia las mangas gigot han vuelto a asomarse a las pasarelas cada cierto tiempo.  La última gran ola se vivió a mediados de los 80, con Yves Saint Laurent, Christian Lacroix y Emanuel Ungaro entre otros.

Esta temporada hemos podido ver de nuevo esta tendencia historica en las pasarelas.

Manga farol: Este tipo de manga es más bien corta aunque también existen diferentes variedades mas largas, lo que caracteriza este tipo de manda es que va fruncida en la sisa y en el bajo para darle volumen.

Manga Raglán: Manga que va desde la sisa hasta el cuello, cubriendo todo el hombro,  creando una costura larga y diagonal. Su nombre proviene de Lord Raglán y el uniforme que llevó en la guerra de Crimea.

A Raglan, que entonces no se apellidaba Raglan sino FitzRoy Somerset, el brazo se lo arrancó la nutrida potencia de fuego francesa empleada en la batalla de Waterloo.

En la Gran Bretaña del siglo XIX lo más parecido que hubo a ese apellido, y sólo desde 1852, fue un caballero llamado, precisamente, Lord Raglan, que no “Ranglán”. Es cierto que ese caballero había perdido su brazo y deseó que su sastre ocultase al máximo posible el inconveniente del brazo.lord-raglan

En las pasarelas hemos podido ver diferentes versiones de este tipo de manga.

 

Como podréis comprobar, las mangas esta temporada adquieren un fuerte protagonismo, no dudes en apuntarte a esta tendencia, atrévete a jugar con los volúmenes y las formas.

 

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Renovación oriental

Oriente ha estado presente en las pasarelas de esta temporada, se trata de un estilo oriental reinventado y modernizado.

Prada nos ha mostrado diseños con cuellos mao, pijamos de seda y sandalias propias de una geisha.

 

El colorido y el barroquismo siguen siendo la marca personal de Gucci. Este desfile ha sido mágico, destacando prendas de inspiración oriental con grandes dragones, el reflejo de una fantasía exótica.

Vestidos y chaquetas kimono, must que comenzó la temporada pasada, Balmain ha reinventado con maestreza esta prenda oriental.

 

 

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Rayas

A pesar del cambio constante de modas y tendencias las rayas jamás desaparecerán.

Este estampados inmortalizado por Chanel es un de los mas antiguos en la Alta Costura.

Rayas en tonos azules, beis y verdes. Combinaciones clásicas y combinaciones más atrevidas y multicoloridas, en mini y maxi, una gran variedad para elegir.

Raya diplomática renovada, tendencia de antaño que reaparece intermitentemente.

Cuando escuchamos raya diplomática pensamos en un traje masculino al más puro estilo dandy, tendencia clásica que en realidad nunca pasa de moda. Jil Sander y Carolina Herrera han experimentado con esta raya, siluetas clásicas a la vez que versátiles.

Mix de blanco y negro, las maxi stripes se convierten en un must de temporada.

Pero lo más importante es saber jugar con las tendencias, combinar y arriesgar.

Olivia Palermo combina rayas y estampados magistralmente, arriesga y gana, diversión y sofisticación.

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Juega y combina como lo hacen los grandes diseñadores, mezcla de diferentes tipos de rayas, diferentes colores y diferentes estampados.

Ya sabéis, esta temporada debéis atreveros a mezclar, dar a vuestros looks un toque de atrevimiento y modernidad.

 

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Inspiración Selvática

Una inmensa paleta de colores han predominado las colecciones para esta primavera/verano, la gran mayoría con un denominador común: colores de la madre tierra.

Stella McCartney, Marni, Balmain y Loewe (que ha utilizado tejidos orgánicos), entre otros diseñadores, han decidido rendir homenaje a lo natural y neutral, a la comodidad y versatilidad.  Vestidos en tejidos con caída,  prendas que representan a una mujer exploradora y conquistadora.

Beiges, ocres y tierras que nos transportan al continente Africano.

Toda la gama de amarillos y mostazas

Balmain ha apostado fuerte por este color naranja apagado, el color caldero que se asemeja al fuego, otorgando la imagen de una mujer fuerte, segura de sí misma, desgarradora y conquistadora de tierras lejanas.

El verde será un color influyente en esta temporada, color que refresca y revitaliza, que simboliza esperanza, equilibrio, renovación y renacer de la naturaleza.

El deseo de acercarnos a la naturaleza, de explorar y descubrir nuevos lugares.

Tonos varios de verdes que representan la diversidad que nos ofrece la naturaleza.

Si esta temporada quieres ir a la última busca tu look inspirado en la naturaleza, camina por la selva, explora y conquista un destino lejano.

 

Fotos http://www.vogue.es

 

 

Espíritu ochentero

La década de los ochenta dejó una huella imborrable en la historia de la moda, noches de brillos y moda disco.

En los años cincuenta surgieron los rockeros, en los años setenta los punkis y en los años ochenta es cuando comenzaron a surgir  movimientos que utilizaron la moda como un símbolo de expresión.

Una vez superada la Transición,  España vivió una época de apertura y libertad, fue una etapa de revelación en todos los ámbitos: la moda, la llegada de las marcas, el auge del fenómeno fan en la música, el cine y la televisión.

Surgió la “movida madrileña”  como movimiento contracultural que se caracterizó por dar una imagen de una España “moderna”, la moda se transformó en voluptuosidad, rebeldía y descaro.

A nivel internacional la caracterización de exageración, excesos y barroquismo en el mundo de la moda vino de la mano de diseñadores tan reconocidos como Jean-Paul Gaultier o Vivienne Westwood.

Madonna a nivel internacional y Alaska a nivel nacional fueron iconos de esta época.

Esta temporada Marc Jacobs ha reinterpretado la década ochentera con  siluetas oversized, bombers en colores brillantes, estampados de leopardo y el mítico pelo cardado.

Saint Laurent tambien ha exhibido esta tendencia ochentera con sexys y llamativos little black dress, utilizando el negro como color protagonista, escotes en forma de corazón y hombros resaltados, la imagen de una mujer joven, rockera y rebelde.

Todas nosotras recordamos las maxi hombreras como una de las siluetas mas características de la moda ochentera.

Balenciaga también ha apostado esta temporada por el volumen XL en los hombros, con marcadas dosis de estilo ochentero al incluir colores brillantes y leggins.

Prendas ochenteras que simbolizan  rebeldía y hacerse notar, extravagancia a la vez que exuberancia.

Prendas que sin hablar dicen: «mirame» .

Si no te gusta pasar desapercibida esta es tu tendencia de esta temporada primavera verano 2017.

Fotos: http://www.vogue.es

 

BALENCIAGA: su legado en la historia de la moda (parte I)

balenciaga

Su lema:»arquitecto para las líneas, escultor para la forma, pintor para el color, músico para la armonía y filósofo para la medida»

Hubert de Givenchy, presidente de patronato de la Fundación Balenciaga, ha dicho de él: «Balenciaga fue el creador del arte de la alta costura. Elegante en su vida y en su obra, su pasión por la vida le llevó a convertirla en arte. Cada una de sus creaciones tuvo siempre algo de escultura, de música y de pintura, expresadas en trajes de impecable y serena armonía».

Impulsor y creador de volúmenes y formas sorprendentes, Balenciaga, conocido como el padre y arquitecto de la Alta Costura, ha sido, es y será uno de los diseñadores más importantes y punto de referencia en el mundo de la moda.

Con su dominio del corte, su rigor y sobriedad, perfeccionismo y elegancia, el conocimiento exhaustivo de los tejidos y su exquisita armonía, ha conquistado para siempre el mundo de la Alta Costura.

Lo más sorprendente es su capacidad de impulsar estilos innovadores y su capacidad de reinventarse constantemente, creando una diversidad de formas, siluetas y estilos que han perdurado y perduraran a lo largo de la historia de la moda.

Superando con creces los límites físicos de la silueta femenina y los límites sociales, se atrevió a crear diferentes formas, rompiendo, una y otra vez, de forma magistral e ingeniosa con todo lo anterior.

1938: su segunda colección parisina revolucionó el contorno femenino con hombros caídos, cintura estrecha y caderas redondas. Se anticipó al New Look de Christian Dior de 1947.

1939:  Balenciaga   presenta   una   colección   de profunda influencia historicista con claras reminiscencias de la moda del siglo XVII y el Segundo Imperio francés. El éxito de su vestido «Infanta» es arrollador, vestido cuya inspiración procede de los cuadros de Velázquez.

Años 40: presenta en sus colecciones numerosos vestidos que acentúan las caderas mediante drapeados o pequeños polisones (consiste en una estructura interior formada por alambres, volantes almidonados o ballenas cosidas a una enagua sujeta a la cintura, que ahueca y sostiene el recogido de la falda exterior). Balenciaga tiene un profundo conocimiento de la historia del arte, rescatando en sus creaciones elementos característicos del renacimiento español, época que el admiraba. Diseños inspirados en la pintura española: Zurbarán, Velázquez y Picasso entre otros.
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1942 La modelo Lolita Laporte, con un vestido de Balenciaga. Jardines casa EISA

Boleros y capas que remitían a la estética taurina,  vestidos cortos por delante y largos por detrás como referencia a la bata de cola de los vestidos flamencos, vestidos con polisones y abrigos que nos recuerdan a los hábitos de los monjes.

1946-1947: presenta la línea tonneau (barril), figura femenina basada en el contraste de la espalda amplia con el talle ajustado en el frente.

Década de 1950: es en estos años cuando  Balenciaga despliegue toda su creatividad.

  • vestidos de busto ajustado y caderas voluminosas

1952

  • línea imperio
  • manga japonesa
  • abrigos cuadrados sin cuello ni botones
  • el vestido túnica
  • vestido saco
  •  falda balón
  •  vestido globo
  • 1950 mangas melón
  • silueta baby doll
  • 1959 vestido pavo real
  • estilo asiático

continuará….

Superposiciones: clave para la próxima temporada SS/17

La tendencia de ponerse vestidos encima de blusas o camisetas básicas que ya se inició el verano pasado cogerá aún más fuerza en esta próxima temporada.

Continúa la superposición de vestidos y camisetas lenceras sobre camisas y tops para atrevernos a superponer corpiños, bralettes, cropped top, superponer faldas y vestidos transparentes sobre pantalones.

Las transparencias en blusas, faldas y vestidos, y los juegos incesantes de estampados de cuadros o geométricos han sido algunas de las apuestas mas llamativas de algunos diseñadores.

La tendencia impone la combinación de texturas, colores y géneros.

Prada ya nos sorprendió con la superposición de un top encima de todas las prendas en la colección de primavera de 2014. En esta última colección ha vuelto a jugar con la superposición de prendas mostrando tops o vestidos de escote bañera con transparencias y vaporosos sobre camisas de algodón con diversos estampado.

Fendi también se ha decantado por la superposición de prendas al presentar conjuntos de vestidos lenceros sobre camisas, y por el uso de las transparencias en vestidos, faldas y camisas.

La superposición de prendas junto con la combinación de texturas y estampados, como podemos observar en las imágenes, ha sido el punto de partida de muchas colecciones.

El atrevimiento a jugar, inventar y romper con las normas son una de las claves de esta temporada.

Muchas de las bloggers mas internacionales ya han puesto en práctica esta tendencia.

 

Saber arriesgar, atreverse y jugar son las claves de esta temporada, ¿os atrevéis a arriesgar y jugar?.

La Pequeña Gran revolución de Dior: «New Look»

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En 1947, dos años después de finalizar la Guerra Mundial, Christian Dior debuta en la historia de la moda convirtiéndose en el gran competidor de Coco Chanel y Balenciaga.

Dejando atrás la austeridad ocasionada por la guerra y la sobriedad de la vestimenta, Dior se atrevió a desafiar esas limitaciones  provocando un cambio dramático y revolucionario en la moda.

Su primera colección de Alta Costura se llamó “Corolle” (nombrada así como referencia a la corola de una flor, en las que se inspiró para sus diseños), una colección que representó la necesidad de retomar el lujo y exaltar la sensualidad femenina, proponiendo con hombros suaves y caídos, chaquetas con cinturas entalladas de avispa (que se lograba con un corpiños rígidos y cortos), caderas anchas, a veces con relleno, y faldas largas, muy amplias y con mucho vuelo, para las que utilizaba un uso “excesivo” de tela.

Estilo y técnica que por la prensa se denominó “New Look”

Este modelo, el traje Bar, abrió el desfile de Dior y definió la silueta femenina de la década de 1950.

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